con Isabella Ragonese, Michele Riondino,
Liuba Zaizeva, Glen Blackall, Sergei Zhigunov
I “Dieci inverni” del titolo sono quelli che racchiudono
il legame che si crea tra Camilla e Silvestro. Lei lascia il paese
dell’entroterra per frequentare l’Università a Venezia e il giorno in cui si
trasferisce incontra sul vaporetto lui, esuberante e un po’ invadente. La
singolarità dell’opera di debutto di Valerio Mieli, anche co-sceneggiatore, è
quella di suddividere il racconto in dieci quadri che si protraggono nell’arco
di dieci anni (dal 1999 ai giorni nostri) scegliendo di mostrare, per ogni
anno, solo quello che succede in alcune giornate della stagione invernale. Uno
stratagemma narrativo molto potente, gestito con la capacità di creare
interrogativi e di stimolare curiosità verso il destino dei protagonisti che,
pur attraendosi, impiegheranno molto tempo prima di imparare a comunicare e
arrivare davvero e conoscersi. Nei due lustri in cui è racchiusa la vicenda la
vita scorrerà tra obiettivi cercati e raggiunti, eventi subiti, nodi irrisolti,
asperità caratteriali e quel pizzico di fatalità necessario per agguantare il
lieto fine. Originale nelle premesse, diretto con attenzione ai caratteri e
sensibilità, interpretato con partecipazione, il film scorre piacevolmente
nonostante qualche intoppo derivante dalla tanta carne al fuoco. In fondo lo
spettatore diventa testimone di tracce di vita, non solo amorosa, e attraverso
pochi dettagli deve capire l’evolversi dei personaggi includendo il rapporto
con gli amici, i familiari, le ambizioni professionali. L’accumulo porta a
qualche svolta poco credibile (tutta la parte russa in cui la protagonista
diventa la signora borghese di un uomo attempato) e la ricerca delle mezzetinte
trova un equilibrio tra pieni e vuoti non evitando alcune forzature.
Determinante il contributo della città di Venezia, non solo sfondo da
cartolina, ma suggestivo contrappunto al sentire dei personaggi. In ogni caso
un tentativo apprezzabile di uscire dalle convenzioni del superficiale filone
giovanilistico in cui il cinema italiano sembra perdersi (ultima sciocchezza
“Amore
Luca Baroncini
di Luca Guadagnino
con Tilda Swinton, Flavio Parenti,
Edoardo Gabbriellini, Alba Rohrwacher, Pippo Delbono, Marisa Berenson, Gabriele
Ferzetti
Anche i ricchi piangono, continuano a raccontarci, ma
perché sempre a loro guarda il cinema? Forse perché si suppone che il contorno
sia più interessante e in grado di attrarre rispetto alle solite “due camere e
cucina” in cui più che sognare ci si limita a sopravvivere. Sta di fatto che
Luca Guadagnino sceglie di soffermarsi sull’ennesimo nucleo familiare
altolocato in un interno: il padre severo (il carismatico Pippo Delbono), la
madre di origine russa bella ed elegante (Tilda Swinton, mai così charmant), i
tre figli (tra cui Alba Rohrwacher, oramai prigioniera di personaggi dalla
fragile apparenza e dalla forte determinazione) e relativi compagni/e e i capostipiti
(la classe fatta donna Marisa Berenson e il carismatico Gabriele Ferzetti in un
cameo). Il pranzo della domenica mette in tavola prelibati manicaretti e una manciata
di insoddisfazioni inconfessabili (pulsioni nascoste, sogni di carriera, colpi
di fulmine). Va dato merito al regista di provare a tradurre l’ordinarietà del
soggetto in stile, con quelle didascalie retrò a sottolineare la rigidità dei
confini entro cui i personaggi si ritrovano a muoversi, liberi solo in teoria,
nella pratica prigionieri di convenzioni millenarie impossibili da scalfire.
Eppure una forte passione squarcia il velo del noto e prova a farsi strada, ma
abbandonare le sicurezze del presente non può che portare a un malessere che
solo il tempo potrà, forse, volgere in positivo. Il problema del film è che
dopo un avvio un po’ ingessato ma apprezzabile, per la ricerca formale sottesa
alle immagini, non riesce a tradurre le molte problematiche esposte in
altrettante svolte risolutive, finendo per soffermarsi su un rapporto affettivo
dei più triti (l’attempata e il giovinetto) con tanto di dramma finale
appiccicato per arrivare alla chiusa imposta dal già lungo minutaggio. Il resto
dei personaggi passa così in secondo piano e la freddezza dei rapporti
familiari viene solo accennata senza farsi decisivo sentire. Tutto scorre in
superficie, quindi, la sospensione di incredulità vacilla e l’imbarazzo trova
modo di mutuarsi in dialoghi improbabili (se, quando una sconvolta protagonista
con il carisma della Swinton pronuncia con convinzione “Io amo Giovanni”, il
pubblico sghignazza significa che si è perso il polso della situazione). Forse
una maggiore ironia nel tratteggiare i personaggi e un rigore meno esibito
(leggi “prendersi meno sul serio”) avrebbero giovato al risultato.
Luca Baroncini